Искусство Древнего Рима, Византии, Италии

Искусство Древнего Рима. Искусство Византии. Итальянское искусство эпохи Возрождения. Итальянское искусство периода XVII-XVIII вв. Итальянское искусство периода новой и новейшей истории.

ИСКУССТВО ДРЕВНЕГО РИМА, ВИЗАНТИИ, ИТАЛИИ

Курсовая работа

Содержание

Введение

1. Искусство Древнего Рима.

2. Искусство Византии.

3. Итальянское искусство эпохи Возрождения.

4. Итальянское искусство периода XVII-XVIII вв.

5. Итальянское искусство периода новой и новейшей истории.

Заключение

Список использованной литературы

Введение

Первые зачатки искусства на территории современной Италии восходят к концу палеолита. За тысячелетия до нашей эры люди, жившие охотой и сбором диких плодов, были уже знакомы с выразительной силой наскального рисунка. Но все же, говорить об искусстве как о социальном феномене в его широком смысле и современном понимании, можно лишь применительно к обществу, организованному в государственную форму. Таким государством на средиземноморье был Древний Рим.

Будучи законодателем традиций во многих областях жизни (начиная с древнеримского права первой в истории республики), Рим стал центром и источником традиций в архитектуре, живописи, скульптуре.

Дальнейшая эволюция государственности и общественных отношений обусловили соответствующее развитие отраслей искусства: вначале византийского, затем – итальянского. Целая эпоха, названная эпохой Возрождения, связана с достижениями средневековых мастеров, творивших на территории нынешней Италии.

Современная Италия – часть экономически развитой Европы. И ее культура – часть европейской культуры. Сегодня лидерство итальянского искусства в основном утрачено. Но его традиции сохраняются в творчестве многих архитекторов, скульпторов и живописцев не только Запада, но и Востока. Российская культура (начиная с православной культуры) ведет свою «родословную» от культуры Византии. Отсюда важность исследования истоков и характера эволюции итальянского искусства для россиян.

Целью данного реферата является проведение ретроспективного (исторического) анализа процесса развития итальянского искусства от момента его зарождения до наших дней.

1. Искусство Древнего Рима.

Хронологические рамки искусства Древнего Рима охватывают почти тысячелетие – от его зарождения в конце 6 в. до н.э. до конца 5 в. н.э. Начало древнеримского искусства относится к периоду республики (конец 5 – конец 1 в. до н.э.). Оно достигло расцвета в период образования мировой рабовладельческой державы (конец 1 в. до н.э. – 5 в. н.э.), разнородной по этническому и социальному составу, сложной по хозяйственной и общественной организации[1] .

Искусство времен Римской империи представляет собой последнюю ступень греческого искусства, на которой его упадок и искаженность открыли, однако, путь к новому художественному творчеству[2] .

Исторические особенности развития определили важнейшее отличие искусства римского от греческого. В римском искусстве периода расцвета ведущую роль играет архитектура , в которой основное место принадлежит сооружениям общественным, воплощающим идеи могущества государства и рассчитанным на огромные количества людей.

Древние здания Рима и теперь даже в развалинах покоряют уверенной мощью. Римляне положили начало новой эпохе мирового зодчества. Во всем древнем мире римская архитек­тура не имеет себе равной по высоте инженерного искусства, многообразию типов сооружений, богатству композиционных форм, масштабу строитель­ства.

Потребности римского общества породили много новых типов соору­жений: амфитеатры, термы, триумфальные арки, колонны, акведуки. Дворцы, особняки, виллы, театры, храмы, мосты, надгробные памятники получили на римской почве новое архитектурное решение. Среди сохранившихся памятников монументального зодчества периода республики наиболее известны три круглых храма богини Весты, построенные во 2-1 вв. до н.э.[3]

Архитектурное искусство Древнего Рима достигает вершины в первые два века нашей эры. Порождением всего склада импе­раторского государства были триумфальные сооружения, прославляющие воен­ные победы Римского государства. Самое гигантское зрелищное сооружение — амфи­театр Флавиев-Колизей (75—82 гг. н. э.).

В 4 в. после признания в 313 г. христианства господствующей рели­гией начинается строительство христианских храмов, формы которых в основном заимствовались из античных базилик.

Главное место в скульп­туре занимает портрет, имеющий глубоко познавательный смысл. В нем проявляется интерес к проблеме личности и ее судьбе, представление о конкретно-историческом характере человека.

В области монументальной скульптуры римляне не создали памятни­ков, столь значительных, как греки. Но они обогатили пластику раскры­тием новых сторон жизни, разработали бытовой и исторический рельеф с характерным для него конкретно-повествовательным началом. Рельеф являлся неотъемлемой частью архитектурного декора.

Древнейшее произведение скульптуры первых десятилетий респуб­лики — бронзовая Капитолийская волчица — символ Рима (6 в. до н. э., Рим, Палаццо Консерватори), отличающаяся остротой реализма и экс­прессивностью. Однако, лучшее из художественного наследия римской скульптуры — портрет. В портретном жанре наиболее ярко проявлялся самобытный реализм, острая наблюдательность, историческое чутье римлян, их умение обоб­щить наблюдения в ясной и сжатой форме. Гражданственные идеалы республиканской поры воплощены в монументальном портрете в рост сурового «Римлянина, совершающего возлияние» (1 в. до н. э., Рим, Ватикан), исполненного чувства долга.

В римском искусстве портрет получает широкое распространение и в живописи. Но эволюцию римского живописного портрета нельзя просле­дить подобно скульптурному. Живописных портретов сохранилось немно­го. Среди них - «Портрет молодой женщины», «Портрет мо­лодого человека с бородкой в золотом венке», «Портрет пожилого римлянина».

Но главным родом живописи во времена римских императоров была живопись стенная[4] .

Таким образом, искусство времени республики известно нам по немногим памятникам архитектуры, значительному числу скульптурных произведений, портретов, фрагментов стенной живописи Помпей и Геркуланума[5] . Искусство Римской империи завершает большой период античной культуры. Рим «раскололся» на Западную и Восточную части. Разрушенный, разграбленный варварами, в 4—7 вв. Рим обезлюдел, его руины заросли травой, но традиция римского искусства продолжала жить в средние века. Слава Древнего Рима, воплощенная в художественных образах, вдохновляла мастеров Возрождения. К герои­ческому и суровому искусству Рима обращались крупнейшие мастера 17—19 вв.

2. Искусство Византии.

Эпоха средневековья для историка культуры и искусства охватывает период от падения Римской империи до начала эпохи Возрождения[6] . Одним из важнейших центров средневекового искусства была Византия — государство, образовавшееся в 395 г. на основе Восточной Рим­ской империи и просуществовавшее до 1453 г.

В центре внимания визан­тийского художника, как и в античности, стоял человек, воплощенный в образе христианского бога и святых; в его изображении сохранялись правильные пропорции фигуры, тонкая пластика форм, точный рисунок. Но византийский художник подвергал их коренной переработке в соответ­ствии с новыми представлениями о мире и человеке.

Главной задачей византийского искусства было воплощение божественного начала[7] . А его содержание отражало религиозно-философ­ские воззрения слагающегося средневекового общества. Первый подъем византийского искусства приходится на 6 век. Оно достигает блестящего расцвета при Юстиниане I (527—565), когда закла­дываются основы византийской государственности.

В различных областях империи развивалось крупное монументальное строительство. Ведущую роль приобрела архитектура монастырских ансамблей и храмов, отличавшихся разнообразием строительных типов. Трехнефная базилика Сант Аполлинаре Нуово в Равенне (на­чало 6 в.) дает представление о типе продольного ранневизантийского храма, в котором нет еще резкого размежевания мирян и клира. Наиболее совершенный тип центрического храма — церковь Сан Витале в Равенне (526—547 г.). Восьмигранная в основании, она покрыта ку­полом (диаметр 15 м), покоящимся на восьми столбах, и окружена обход­ной галереей, принимающей распор. Цветной мрамор и богатые по ко­лориту сюжетные мозаики покрывают стены и своды церкви.

Потребность в здании, вмещающем массы людей, породила в 5—6 вв. новый тип храма — купольной базилики, наиболее приспособленной к сложному ритуалу богослужения. Культ объеди­нил все виды искусств — архитектуру, живопись (мозаики, росписи, иконы), прикладное искусство (драгоценную утварь, богатое облачение. священников, зрелищность церковного церемониала, многоголосые хо­ры) — в единый грандиозный художественный ансамбль.

Гениальное воплощение новый стиль сооружения получил в храме св. Со­фии в Константинополе (532—537). В его замысле торжествует идея зависимости церкви от императорской власти и вместе с тем могущества христианства.

С усилением роли церковного интерьера формируются новые принципы синтеза искусств. Развивая традиции позднеантичной живописи, визан­тийцы впервые объединили духовное содержание с декора­тивным началом. Была разработана иконография Священного писания — сюжеты, композиции, типы фигур, лиц, атрибуты святых, которые легко воспринимались и запоминались зрителем. Постепенно иконографические типы и композиции превратились в утвержденные церковью каноны.

Излюбленной техникой стенной живописи Византии стала мозаика. Византийцы впервые воспроизводят форму цветом. Они владеют всем богатством красочного спектра, оттенками различной свето­силы и густоты. Редкий образец византийской светской живописи — две большие мозаики на боковых стенах церкви Сан Витале в Равенне (547 г.). Традиция античности проступает в образах четырех ангелов из церкви Успения в Никее.

В византийской церковной архитектуре с 9 в. утверждается новый тип крестово-купольного храма, воплощенного впервые в базилике Василия Македонянина в Константинополе[8] . Типичными памятниками крестово-купольного храма являются церкви Католикон в монастыре Хосиос Лукас в Фокиде и св. Феодора в Афинах. Рациональность конструк­тивной системы, способствовала распростране­нию этого типа храма за пределами Византии.

В 9 в. складывается законченная каноническая система церковной росписи. В живопись проникает идея иерархии. Пантократор уподобляется самодержцу, святые — придворным и т. д.

Во второй половине 11—12 вв. утверждается торжест­венный византийский стиль. Самым классическим произведением византийской живописи этого периода являются мозаики монастыря Дафни (близ Афин).

Шедевр византийской живописи первой половины 12 в.— икона сто­личной школы Владимирская богоматерь, иконографиче­ского типа «Умиление» (младенец прижимается щекой к щеке матери).

Последний расцвет византийское искусство переживает в 13—14 вв. Наиболее ярко новые тенденции проявились в живописи, в мозаиках и фресках Кахрие-Джами в Константинополе. Повествовательный стиль циклов, посвященных жизни Христа и богоматери, продолжает традицию столичной школы живописи, но бого­словская догматика уступает место драматическому переживанию еван­гельской легенды.

Тысячелетнее существование Византии сыграло большую роль в исто­рии мировой культуры. Здесь были созданы типы монументальных церков­ных зданий с декоративными циклами, распространившимися в средневе­ковом искусстве Европы, южных славян, Древней Руси, Закавказья. Ис­торическая миссия Византии заключалась и в том, что она своеобразно развила и передала последующим векам античную традицию, обогатив ее новыми открытиями. К византийскому искусству обращались итальянские, русские, бол­гарские, сербские, грузинские, армянские зодчие и живописцы.

3. Итальянское искусство эпохи Возрождения.

В историю художественной культуры Возрождения Италия внесла вклад исключительной важности[9] .

Подъем новой культуры в Италии относится к 12 - 13 вв. Это, так называемый, период раннего Возрождения.

Масштабы величайшего расцвета итальянского ренессанса особенно поразительны по контрасту с небольшими территориальными размерами тех городов-государств, где зародилась и пережила свой высокий подъем культура этого времени[10] .

Во Флоренции написал свою «Божественную комедию» Данте, здесь сформировалось могучее дapoвание родоначальника реалистического искусства Возрождения Джотто ди Бондоне (1266—1337). Архитектор, скульптор, поэт, самый значительный вклад он сделал в развитие живописи.

Родоначальником ренессансной архитектуры бил Филиппе Брунеллески (1377—1446), уроженец Флоренции. Впервые в западноевропейском зод­честве Брунеллески дал ярко выраженный пластический объем купола, «вздымающегося к небесам» и осеняющего, по выражению архитектора Альберти, «все тосканские народы». В этом сооружении, воздвигнутом во славу города, нашло воплощение торжество разума, идея, определяющая основное направление культуры Воз­рождения.

Следующим этапом в развитии ренессансной архитек­туры было творчество Леона Баттиста Альберти (1404—1472), энцикло­педиста-теоретика, автора ряда научных трактатов об искусстве («Десять книг о зодчестве»).

Развитие типа раннеренессансного дворца в 15 в. завершает палаццо Строцци во Флоренции (начат в 1489 г.), Бенедетто да Майано (1442—1497).

Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоя­тельное значение. Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку. Наряду с сохраняющими свое значение образами христианской мифоло­гии и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета. Создаются конные статуи, украшающие площади городов.

В ювелирной мастерской изучил основы ремесла один из выдающихся скульпторов 15 в. — Лоренцо Гиберти (1381—1455). Блестящий мастер и тонкий рисовальщик, Гиберти занял первое место на конкурсе 1401 г. на двери баптистерия, которые стали одной из достопримечательностей Флоренции. «Врата рая»— назвал их Микеланджело.

Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло (1386—1466). Его рукам принадлежит мраморная статуя Георгия. Закованный в доспехи, стройный, с одухотворенным лицом, настороженным взглядом, он воплощает идеал героической личности, созвучной эпохе, исполнен самосознания, спокоен и бесстрашен. Торжество идеалов ренессансной скульптуры и утверждение статуар­ного начала знаменует первая обнаженная статуя в итальянской пластике Возрождения,— Давид (1430).

Ту же эволюцию, что и скульптура, проходит живопись раннего Воз­рождения. Художники 15 в. вступают на путь реализма. Невиданный расцвет переживает монументальная фресковая живопись.

Реформатором в живописи стал флорентинец Мазаччо (1401—1428). С наибольшей наглядностью его искания проявились в фресках капел­лы Бранкаччи при церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции «Чудо со статиром» и «Изгнание из рая».

Значительный интерес к пробле­мам колорита отличал творчество Доменико Венециано (1410—1461), уроженца Венеции. Его религиозные композиции («Поклонение волхвов»), несут отпечаток готической тради­ции.

Необычайной тонкости исполнения, очень сдер­жанных по колориту, светских по характеру произведений добивается Фра Филиппе Липпи (1406—1469), сменивший монашескую рясу на беспокойную профессию бродячего художника. В нежных лиричных образах —«Мадонна с мла­денцем», «Мадонна под вуалью» он запечатлел трогательно-женственный облик своей возлюбленной, любующейся пухлым младенцем.

Предпосылки для следующего этапа развития искусства Возрождения раньше всего складываются во Флоренции. Здесь созревает своеобразная по утонченности культура. Воз­растающий интерес к деталям обстановки придает живописным компо­зициям черты жанровости. Суровая героика сменяется интимным повест­вованием. Фигуры людей приобретают большую стройность пропорции, становятся хрупкими и гибкими.

В живописи этого времени выделяется творчество Доменико Гирландайо (1449—1494). Традиционность его искусства выявляется в росписи церкви Оньиссанти «Тайная вечеря». Главное произведение Гирландайо — фрески церкви Санта Мария Новелла на сюжеты из жизни

Черты утонченности и аристократической изысканности находят наиболее яркое воплощение в творчестве Сандро Боттичелли (1445—1510), одного из са­мых эмоциональных мастеров Возрождения. Его наиболее прославленные зрелые картины — «Весна», «Рождение Венеры».

Одним из характерных вырази­телей флорентийской культуры последней трети 15 в. был скульптор и живописец Андреа Верроккьо (1435—1488). Его бронзовая статуя «Давид» олицетворяет изящество и утонченную грацию хрупкого юноши, облаченного в нарядные воинские доспехи.

Главным представителем ренессансной живописи Се­верной Италии был Андреа Мантенья. Он был не только живописцем и рисовальщиком, но ученым, тео­ретиком, археологом, одним из лучших знатоков античности.

В росписях Мантенья дал новые иллюзорные приемы построения пространства, неожиданные ракурсы и аспекты изображения. Монументальные фрески Мантеньи украшают капеллу Оветари при церкви Эремитани в Падуе (1449—1455) в «Шествии св. Иакова па казнь».

Талантливым художником был Джованни Беллини (1430—1516). Его алтарный образ «Мадонна со святыми» привлекает уравновешенной компози­цией, колористическим богатством, величественностью и ясной просвет­ленностью характеров героев, погруженных в задумчивость.

Искусство Высокого Возрождения приходится на первые три десяти­летия 16 в. Это был век глубокого драматизма и контрастов не только в области религии, политики, философии и науки, но и в сфере искусства. На основе пересмотра всех ценностей в это время возникают идеи, на которых воздвигается здание культуры современной Европы[11] .

Именно в это время раскрываются силы народа, вступаю­щего в борьбу за республиканскую форму правления, растет его национальное самосознание. Об этом свидетельст­вуют архитектурные постройки старого Ватикана и виллы Бельведер, сведенные в единый мону­ментальный комплекс по проекту Браманте.

Главное создание Браманте — проект собора св. Петра в Риме (1506), воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с сим­метричной композицией. И хотя заложенный по этому проекту собор в дальнейшем был перестроен другими строителями, его идеи нашли рас­пространение в сооружениях многих итальянских зодчих.

К середине 16 в. Высокое Возрождение сменяется в ряде областей этапом позднего Возрождения. К этому времени относится создание таких теоретических трудов, как «Правила пяти архитектурных ордеров» Джакомо Виньолы н «Четыре книги по архитектуре» Андреа Палладио. В это время рождаются черты академизма и канонизации основ рим­ской античной архитектуры, проявляются тенденции к декоративности и живописности, к пространственности решений, предвосхищающих архитектуру барокко.

Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио (1508—1580), теоретика, исследователя и крупнейшего практи­ка-строителя второй поливины 16 в. Наиболее значителен вклад Палладио в развитие архитектуры, двор­цов и вилл.

Однако подлинным основоположником стиля Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452—1519), ге­ний, чье творчество знаменовало грандиозный качественный сдвиг в ис­кусстве. Леонардо воплощал собой новый тип ху­дожника — ученого, мыслителя, поражающего широтой своих взглядов, многогранностью таланта.

К числу ранних произведений Леонардо относится и хранящаяся в Эрмитаже «Мадонна с цветком». Произведения зрелого стиля — «Мадонна в гроте» и «Тайная вечеря» и многие другие шедевры.

Представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма Возрождения с наибольшей полнотой воплотил в своем твор­честве Рафаэль Санти (1483—1520). Мастер синте­зировал достижения предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа.

Нежный лиризм и тонкая одухотворенность отличают его ранние произведения — «Мадонну Конестабиле», «Обручение Марии». Про­стор в построении пейзажа, гармония форм архитектуры, уравновешенность и цельность всех частей композиции свидетельствуют о сложении Рафаэля как мастера Высокого Возрождения. Тема материнской любви получает более зрелое выражение в таких произведениях, как «Мадонна в зелени», «Ма­донна со щегленком», «Прекрасная садовница».

Им написан и ряд портретов: папы Юлия II, папы Льва Х с кардиналами Людовико де-Росси и Джулио де-Медичи и др. Величайшее творение Рафаэля — «Сикстин­ская мадонна», предназначавшаяся для церкви св. Сикста в Пьяченце.

Кульминацией Высокого Возрождения и в то же время отражением глубоких противоречий культуры эпохи явилось творчество третьего из титанов итальянского искусства — Микеланджело Буонарроти (1475—1564).

Страстная патетика устремленного на подвиг человека захватывает в статуе Давида, исполненной в 1501—1504 гг. Микеланд­жело представил его перед боем. Все мускулы Давида кажутся пронизанными дви­жением. Микеланджело вернул наготе тот этический смысл, каким она обладала в античной пластике.

Получив заказ от папы Юлия II на сооружение его гробницы, Микел­анджело создает проект величественного мавзолея, украшенного многочислен­ными статуями и рельефами, осуществляет роспись потолка Сик­стинской капеллы, которая стала одним из величайших творений итальянского искусства.

В последние годы жизни Микеланджело создает огромную фреску «Страшный суд» (1531—1541). Она трактована как грандиозная космическая катастрофа. Обнаженные фигуры ангелов, святых, грешников увлекает неумолимый поток стихийного движения, которому они не могут противостоять. В центре композиции — Христос, наделенный титанической мощью. С гневом вершит он суд над человечеством.

Сегодня лишь немногие страны, кроме Италии, могут гордиться тем, что обладают достоверными скульптурными произведениями великого Микеланджело Буонароти – Франция, Англия, Бельгия. Тем важнее единственная работа ваятеля в музеях России – так называемый «Скорчившийся мальчик», хранящаяся в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге[12] .

Прославленные мастера эпохи Возрождения внесли неоценимый вклад в развитие мирового искусства. О всеобщем преклонении перед их талантом может свидетельствовать тот факт, что величайшие гении эпохи – Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело – получили у современников наименование divino – божественных[13] .

4. Итальянское искусство периода XVII - XVIII вв.

В XVII в. нации, воспринявшие из Италии основы гуманизма, приобретают духовную независимость и создают свою национальную культуру, уровень которой настолько высок, что уже приходится говорить о новой европейской культуре в широком объеме. И все же искусство Италии еще весомо по своему значению, о чем свидетельствует деятельность ряда прогрессивных художников страны[14] .

В данный исторический период наблюдается тяготение мастеров барокко к грандиозным размерам, сложным формам, монументальной приподнято­сти, пафосу — поиски средств, усиливающих действенность создаваемых образов.

Наиболее полное выражение барокко нашло в архитектуре , которая не только решала задачи католической пропаганды; ее прогрессивные тенденции выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитан­ных на массы народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим. Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и особенно Микеланджело.

Свое Крайнее выражение иррациональность, экс­прессивность и живописность барокко находят в творчестве Франческо Борромини (1599—1667). Не считаясь с логикой конструкций и возмож­ностями материалов, он заменяет прямые линии и плоскости изогнутыми, скругленными, извивающимися. Его произведения – церковь Сан Карло у четырех фонтанов в Риме.

Подобно мастерам Возрождения, основоположник стиля зрелого барокко Лоренцо Бернини (1598—1680) был разносторонне ода­ренным человеком. Архитектор, скульптор, живописец, гениальный де­коратор, он исполнял в основном заказы римских пап и возглавлял офи­циальное направление итальянского искусства. Одно из самых характер­ных его сооружений — церковь Сант Андреа аль Квиринале в Риме (1653— 1658). Крупнейшая архитектурная работа Бернини — окончание многолет­него строительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним.

Наблюдаются новые тенденции в живописи и скульптуре. Так, наряду с барочной архитектурной пластикой Бернини создает ряд ста­туй и портретов. Характер его новаторских исканий проявляется в статуе «Давид» (1623). Бернини изображает Давида в неисто­вом порыве ярости, в момент схватки, полного драматического пафоса.

Новаторство Бернини проявилось и в многочисленных портретах, скульптурных бюстах. Созданный Бернини пышный репрезен­тативный портрет Людовика XIV — французского «короля-солнце» послужил образцом для подражания барочным скульпторам.

Художником огромной творческой смелости был Микеланджело Меризи да Караваджо (1573—1610). К числу его ранних картин относится «Девушка с лютней» (1595).

Как жанровая сцена решена композиция «Призвание Матфея» (1597— 1601). Крепкими, полнокровными людьми предстают в произведениях Кара­ваджо святые и великомученики: простодушный грубоватый Матфей, суро­вые, вдохновенные Петр и Павел. От картины к картине нарастает трагическая сила образов Караваджо. В «Положении во гроб» (1604) на глу­боком темном фоне ярким светом выделяется тесно сплоченная группа близких Христу людей, опускающих его тело в могилу. Они грубоваты и сдержанны в своих чувствах, но движение каждого отмечено особой собранностью. И только воздетые в патетическом порыве отчаяния руки Марии Магдалины оттеняют суровую скорбь остальных персонажей, составляя контраст с давящей тяжестью безжизненного тела Христа.

Огромной эмоциональности добивается художник в композиции «Успе­ние Марии» (1605—1606), захватывающей искренностью переживаний, которые выражены в позах, жестах, лицах скорбных уче­ников Христа, окруживших ложе усопшей.

Воздействие Караваджо на развитие реализма в европейском искусстве было громадным. В самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов. Но еще значительнее было его влия­ние за рубежами Италии. Ни один крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения караваджизмом, явившимся важным этапом на пути европейского реалистического искусства.

На рубеже 16—17 вв. в связи с общими культур­ными изменениями и как реакция на маньеризм складывается академи­ческое направление в живописи. Его принципы были заложены в одной из первых художественных школ Италии, в так называемой Болонской академии. Основателями ее были братья Карраччи. Наиболее талантливым из братьев был Аннибале (1560—1609), автор большого числа алтарных образов и картин на мифологические сюжеты. Совместно с братьями он расписал палаццо Фарнезе в Риме (1597—1604).

Таким образом, общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке был обусловлен всеми особенностями ее исторического развития. Именно в Италии зарождается и получает наибольшее развитие искусство барокко, образно-стилистические принципы которого приобретают в дальнейшем широкое значение для эволюции всей европейской художественной культуры[15] .

В 18 в. завершается классический период развития итальянского ис­кусства. Профессиональный уровень мастерства художников был все еще очень высоким, их приглашали правители различных европейских стран. Однако творческие искания даже самых видных мастеров были, по существу, ограниченными, и большинство из них не выходило за рамки барочного искусства.

По сути, в 18 веке Италия теряет ведущую роль в сфере культуры. Лишь Папская область с Римом и Венецианская республика сохранили значительную роль в художественной жизни Европы 18 в. Особое место в итальянском искусстве 18 в. заняла венецианская школа живописи, выдвинувшая ряд крупнейших художников, которые продол­жили традиции высокого мастерства декораторов барокко и отчасти Воз­рождения.

Блестящим декоратором, живописцем и графиком был Джованни Баттиста Тьеполо (1696—1770), который работал не только в Италии, но и в Германии, Испании; его произведения украшали также дворцы русских вельмож.

В венецианском палаццо Лабиа находятся его фрески «Пир Антония и Клеопатры» и «Встреча Антония и Клеопатры», превращающие зал в подобие красочного театрального зрелища. Величественность и спокойная уверенность образов прекрасных людей, героев полотен Тьеполо, сближают их с произведениями его блестящего предшественника — Веронезе. Тьеполо не только сумел блестяще развить принципы декоративной живописи Возрождения, но и дал им новое .пре­творение. Подобно мастерам Возрождения, оп черпал вдохновение в обра­зах живой действительности.

В обращении к реальному миру, к неповторимо прекрас­ной природе Венеции и ее нарядной архитектуре заложена основа успеха художников-пейзажистов, среди которых выделяется высоким мастерст­вом исполнения и тонким колоризмом Франческе Гварди (1712—1793).

В искусстве этого времени первенство принадлежит литературе и театру, расцвет которых начинается в середине столетия[16] . Он связан, в 1-ю очередь, с деятельностью Карло Гольдони – реформатора итальянского театра, автора блистательных реалистических комедий, Карло Гоцци, возродившего народную комедию масок и Витторио Альфиери – поэта и драматурга, трагедии которого были проникнуты идеями патриотизма и гражданственности.

Итальянская опера достигает высокого уровня в творчестве выдающихся композиторов Джованни Батиста Перголези и Доменико Чимарозы[17] .

5. Итальянское искусство периода новой и новейшей истории.

В эпоху конца XIX – начала ХХ в. живопись переживает глубокий кризис, но архитектура получает все более благоприятные условия. Общественный характер производства, бурный рост техники, потребность населения в жилье вызывают насущную необходимость решения проблем градостроительства.

Зодчество , в отличие от живописи, является видом искусства, неразрывно связанным с материальным производством, с техникой, с удовлетворением практических запросов общества.

На смену эклектизму 19 в. приходят поиски цельного стиля, основанного на применении новых конструкций и материалов. В 1890-1900 гг. в результате применения новых материалов и технических изобретений сложилось направление, получившее название «стиль модерн». Создатели стиля, с одной стороны, стремились к рациональным конструкциям, применяя железобетон, стекло, облицовочную керамику и т.д., с другой стороны – у архитекторов появилась тяга к поверхностному декоративизму. Извилистые узоры металлических переплетов, перил, балконных ограждений, изгибы кровли, стилизованный орнамент нередко сочетались с переработанными формами исторических стилей прошлого. Но модерн, оказав временно большое влияние на декоративное и прикладное искусство, не создал новой художественно-архитектурной системы.

Ведущее место в живописи 19-29 веков занимала Франция. Италия, как европейское государство, во многом следует законодательнице мод.

Официально признанным направлением в искусстве этого времени является салонно-академическое. На выставках вниманию публики предлагаются академические портреты, изображения нагих красавиц, жанровые картины, исторические сцены. Натуралистическое правдоподобие все более уступает в академизме модернизованным формам.

Первым художественным течением ХХ в., начавшим последовательный отход от принципов реализма, был фовизм (субъективное видение мира). Ему на смену пришел кубизм (открыто формалистическое течение, утверждавшее, что в основе натуры лежат простые стереометрические объемы – шар, цилиндр, конус, куб).

Футуризм - стремление к раздроблению и искажению реального мира, к растворению его форм и хаотической динамике ритмов. Наиболее яркое выражение футуризм нашел в Италии в творчестве Д. Балла и К. Карра, авторов беспокойно хаотичных композиций. Лидером футуристов в Италии был писатель Маринетти, ставший в последствии фашистом.

Заметным явлением в итальянском искусстве стал экспрессионизм. В его сущности лежали две тенденции. С одной стороны, в нем выразился ужас и отчаяние народа перед трагическими противоречиями жизни. С другой стороны – это был протест против несправедливости.

Через экспрессионизм в Италии прошли Гуттузо, Нерви Вителлоцци. К работам Гуттузо относятся: «Девушка, поющая «Интернационал», «Битва у моста Аммиральо», «Рокко с патефоном», «Спагетти»[18] .

Распад реалистического искусства меньше всего коснулся скульптуры . В монументальных памятниках, рассчитанных на массового зрителя, реалистический метод сохранялся в течение ХХ века.

Ярким представителем итальянской скульптуры данного периода является Джакомо Манцу. Его руке принадлежат скульптурные портреты и поэтичные ста­туи «Голова Инге», «Мать с ребенком», «Танцовщица», «Врата смерти»[19] .

В ХХ веке наука (З. Фрейд) провозглашает первичность подсознательных сфер жизни. Кризисные настроения выражаются в искусстве течениями абстракционизма и сюрреализма. Деятельность художников в этот период привела к исчезновению образной основы.

Вторая половина ХХ века рождает течение неореализм. Основным его содержанием является жизнь народа, простого человека, изображенного с индивидуальными чертами внешнего облика и душевного склада.

К концу ХХ – началу ХХI столетия итальянское искусство окончательно растворилось в общеевропейском искусстве, подчиняясь его модам и течениям. Признанное лидерство страны сохраняется в области театра (прежде всего – итальянская опера) и отчасти в области эстрады, киноискусства (Фредерико Феллини и др.).

Заключение

Искусство любого государства неотделимо от его истории, политики, экономики и других сфер, касающихся общества. Процветающая страна, как правило, порождает гениев, и эти гении еще более способствуют укреплению могущества своей державы.

Итальянская цивилизация – одна из древнейших на европейском континенте. И неудивительно, что именно на Апеннинском полуострове зародилась и прошла долгий путь совершенствования та культура, которая до сих пор поражает высотой своей духовности, до сих пор является нераскрытой тайной.

Наследие итальянского искусства в мире весьма богато. Взоры туристов покоряют величественные храмы, фрески церквей, скульптурные композиции. В картинных галереях и музеях хранятся бесценные произведения художников. В театрах современные мастера исполняют оперы, созданные сотни лет тому назад.

Православное христианство берет свои начала в византийской культуре. Вся история нашей духовности, начиная от Древней Руси и заканчивая нынешней эпохой, неразрывно связана с искусством Рима, Византии, Италии.

Сегодняшний упадок культуры Италии есть отражение общей тенденции снижения нравственности и торжества цинизма в мире. Технократический путь развития человечества поставил материальные потребности и материальные интересы людей выше духовных. При этом, создавая комфорт своей плоти, человек губит свою душу.

Особенно очевиден регресс в странах, переживающих общий кризис развития, к числу которых относится и Россия. И невольно встает вопрос: какой путь развития верен: от духовности к материальному благополучию – или наоборот? У нас о душе подумать некогда…

Список использованной литературы.

1. Арган Дж. К. История итальянского искусства. – М.: «Радуга», 1990. – 239с.

2. Гомбрих Эрнст. История искусства. – М., 1998. – 688с.

3. История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Искусство», 1971. – 360с.

4. История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Изобр. искусство», 1983. – 488с.

5. Искусство и культура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. – М.: Наука, 1997. – 265с.

6. История искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.: «Изобр. искусство», 1988. – 512с.

7. История искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний Восток, Античность / Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.: «Изобр. искусство», 1979. – 384с.

8. История искусства зарубежных стран: средние века, Возрождение / Под ред. У.Г. Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – 664с.

9. История искусств: Италия, Испания, Фландрия / Под ред. Е.И. Роттенберга. – М.: «Искусство», 1988. – 280с.

10. Карл Верман. История искусства всех времен и народов. – М.: АСТ, 2001. – 944с.

11. Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.: «Искусство», 1974. – 216с.


[1] История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Изобр. искусство», 1983. – С.63.

[2] Карл Верман. История искусства всех времен и народов. – М.: АСТ, 2001. – С.604.

[3] История искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний Восток, Античность / Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.: «Изобр. искусство», 1979. – С.161.

[4] Карл Верман. История искусства всех времен и народов. – М.: АСТ, 2001. – С.627.

[5] История искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний Восток, Античность / Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.: «Изобр. искусство», 1979. – С.162.

[6] История искусства зарубежных стран: средние века, Возрождение / Под ред. У.Г. Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – С.11.

[7] История искусства зарубежных стран: средние века, Возрождение / Под ред. У.Г. Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – С.11.

[8] История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Искусство», 1971. – С.82.

[9] Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.: «Искусство», 1974. – С.5.

[10] Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.: «Искусство», 1974. – С.5.

[11] Арган Дж. К. История итальянского искусства. – М.: «Радуга», 1990. – С.7.

[12] Искусство и культура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. – М.: Наука, 1997. – С.77.

[13] Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.: «Искусство», 1974. – С.5.

[14] История искусств: Италия, Испания, Фландрия / Под ред. Е.И. Роттенберга. – М.: «Искусство», 1988. – С.9.

[15] История искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.: «Изобр. искусство», 1988. – С.15.

[16] История искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.: «Изобр. искусство», 1988. – С.137.

[17] История искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.: «Изобр. искусство», 1988. – С.137.

[18] История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Искусство», 1971. – С.338.

[19] История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Искусство», 1971. – С.339.

ОТКРЫТЬ САМ ДОКУМЕНТ В НОВОМ ОКНЕ