Смекни!
smekni.com

Эпоха Возрождения в Италии на примере картины Камбьязо Луки "Золотой век" (стр. 1 из 4)

ОГЛАВЛЕНИЕ

ВВЕДЕНИЕ

ГЛАВА 1. ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ ИСКУССТВА ПОЗДНЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

1.1 Живопись на завершающем этапе эпохи Ренессанса

1.2 Миф о золотом веке на полотне немецкого художника

ГЛАВА 2. ИСКУССТВОВЕДЧЕСКИЙ АНАЛИЗ КАРТИНЫ КАМБЬЯЗО ЛУКИ «ЗОЛОТОЙ ВЕК»

2.1 Описание картины

2.2 Анализ произведения

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

ИЛЛЮСТРАЦИИ

ВВЕДЕНИЕ

Тема данной курсовой работы – «Эпоха Возрождения в Италии на примере картины Камбьязо Луки «Золотой век» из фондов Государственного музея искусств им. А. Кастеева. Картина написана в мифологическом жанре по сюжету античного мифа, известного многим народам, который повествует о беспечной, полной мирских благ, жизни первых людей на Земле.

Данная картина была выбрана для описания и анализа, так как:

1. античная мифология зачастую вызывает интерес, удивляет тот факт, что художнику удается полно раскрыть весь сюжет на одном полотне;

2. картина полна символов, было любопытно понять их значения;

3. Камбьязо Лука – художник малоизвестный, но, тем не менее, достойный внимания любителей живописи.

Цель работы – ознакомиться с итальянским искусством позднего Ренессанса, научиться описывать и проводить подробный анализ произведений искусства, определить приблизительное время, когда была написана данная картина.

Камбьязо Лука (иначе – Камбьязи или Канджаджо) – итальянский художник периода маньеризма. Родился в 1527 г. в городке Монтелья близ Генуи. Учился у отца, художника Джованни Камбьязо. Как художник сформировался очень рано и уже в 15 лет занимался вместе с отцом стенописью в Генуе. Изучал и копировал работы таких мастеров, как Перино дель Ваги, Беккафуми и Порденоне. Известен также как блестящий рисовальщик. В творчестве художника заметно сильное влияние Рафаэля, Пармиджанино и Корреджо. Мастер писал, в основном, картины на мифологическую и религиозную тематику. С 1544 г. Камбьязо работал, расписывая соборы и капеллы церквей Генуи и других городов Лигурии, а также в Риме. В 1583 г. Принял приглашение испанского короля Филиппа II и работал в Эскориале, дворце и резиденции испанского правителя. Работа Камбьязо щедро оплачивалась, но осталась незавершенной. Художник скончался в Испании в 1585 г.[1]

Камбьязо был маньеристом. Маньеризм возник в конце XVI в. ввиду кризиса гуманизма, он считается переходным стилем от Ренессанса к барокко. Этому стилю характерны взвинченность, изломанность линий, перегруженность композиции. Удлиненные или даже деформированные фигуры замирают в причудливых позах. Однако, картина, выбранная для анализа в данной курсовой работе, написана в классическом ренессансном стиле. То есть, художник обращался к античным образам: идеальное телосложение, правильные черты лица, в картине торжествует спокойствие и умиротворенность.

Возрождение – эпоха гуманизма, антропоцентризма. Культурные деятели эпохи прославляли радости земной жизни, уделяли все больше внимания внутреннему миру человека, его индивидуальности. Гуманистический пафос эпохи наилучшим образом воплотился в искусстве, которое, как и в предшествующие века, ставило своей целью дать картину мироздания. Новым было то, что материальное и духовное пытались объединить в одно целое. Трудно было найти человека, равнодушного к искусству, но предпочтение отдавали живописи и архитектуре.[2] Хронологические рамки эпохи Возрождения определить достаточно сложно, так как в различных странах Европы она наступила в разное время. Эпоха охватывает XIV-XVI вв. в Италии и XV-XVI вв. в других странах Европы. В Италии она прошла несколько этапов: Проторенессанс (Треченто) – XIV в., раннее Возрождение (Кватроченто) – XV в., высокое Возрождение (Чинквеченто) – конец XV-первая треть XVI в., позднее Возрождение – XVI в.[3] В данной работе рассмотрена картина, относящаяся к последнему периоду, то есть позднему Ренессансу.

Тема эпохи Возрождения довольно обширная и изучена достаточно хорошо. Существует множество книг, энциклопедий трудов, посвященных этому периоду. Так, Б. Р. Виппер в книге «Введение в историческое изучение искусства»[4] дает понятия не только выразительным средствам живописи, но и объясняет немаловажное значение формата картины, развитию перспективы и другим достижениям эпохи Ренессанса. В книге И. Е. Даниловой «Судьба картины в европейской живописи»[5] освещаются вопросы развития картины, начиная от античных времен до наших дней. Там объясняются проблемы пространства картины, пейзажа, а также соотношение между светом и тенью. Н. А. Истомина в своем труде «Пейзаж в западноевропейской живописи»[6] уделяет огромное внимание развитию пейзажа. В Италии пейзаж строился по строгим законам линейной перспективы, изобретенной в начале XV столетия Филиппе Брунеллески. Затем в XVI в. появился панорамный пейзаж с утопающими в воздушной дымке или в солнечных лучах далями.

Произведения искусства итальянского Возрождения представляют собой чудесный восхитительный мир. Человек, любуясь творениями великих мастеров, погружается в ту эпоху, его душа наполняется гармонией и умиротворением. Кроме того, полотна эпохи Ренессанса часто посвящались религиозной или мифологической тематике. Следовательно, на полотнах того времени присутствует множество символов и знаков, которые привлекают интерес не только ученых-искусствоведов, но и любителей искусства.


ГЛАВА 1. ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ ИСКУССТВА ПОЗДНЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

1.1 Живопись на завершающем этапе эпохи Ренессанса

В первой половине XVI в. наступает последний период эпохи Ренессанса. Позднее Возрождение характеризуется кризисом идеи гуманизма и осознанием прозаичности складывающегося буржуазного общества. Полотнам известных художников еще присущ ренессансный фундамент, но уже с некоторыми изменениями. Сохранив основу того мировосприятия – веру в человека, его значительность и красоту, живописцы смело вторглись в его духовный мир, раскрыв его во всей сложности и подчас противоречивости. От образа отдельной личности они перешли к образу человеческого коллектива, более широко и развернуто показывая активную взаимосвязь между героями и реальной средой, в которой герои действуют. Сама реальная действительность получила в их произведениях более конкретное воплощение, нежели в идеально обобщенных образах мастеров Высокого Возрождения. Соответственно данным задачам они выработали новые художественные средства.[7] Искусству Позднего Ренессанса не свойственна та общая направленность, какой отличалось искусство Раннего и Высокого Возрождения при всей многочисленности и разветвленности живописных школ. Творчество данного этапа весьма сложно, в нем преобладает противоборство различных направлений. Развеялись представления о гармонии мира и силе разума, судьба человека уже не изображалась столь беззаветной. Восприятие мира становится более сложным, сильнее осознается зависимость человека от окружающей среды, развиваются представления об изменчивости жизни, утрачиваются идеалы гармонии и целостности мироздания.

В искусстве период кризиса гуманизма проявился через возникновение новых направлений – академизма и маньеризма. Италия XVI в. насчитывает огромное количество академий. Наиболее знаменитыми считаются Витрувианская академия в Риме (образованная в 1542 г.), академия рисунка во Флоренции (основанная Вазари в 1560 г.) и Болонская академия братьев Карраччи (1580 г.).[8]

Маньеризм же является переходным стилем от Ренессанса к барокко. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического восприятия человека и природы. Мир предстает шатким, неустойчивым. Образы полны тревоги, движения напряжены. В произведениях искусства господствуют холодность, бездушность, в картинах появляется нечто отталкивающее. Этому стилю характерны драматическая острота образов, удлиненность пропорций фигур, перегруженность композиций, холодные пронзительные краски. В погоне за оригинальностью маньеристы принялись искажать изображения. Так появились «Мадонна с длинной шеей» Пармиджанино, «Покойник в гробу» Понтормо и т. д.

Но не все художники поддались новомодным веяниям, многие продолжали придерживаться идеалов Возрождения. Маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI в. стала главным очагом позднеренессансного искусства. Среди художников выделялись последователи Тициана – венецианские живописцы Веронезе, Тинторетто и др.

Художественная манера Паоло Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются в картинах художника с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов. Его зрелищные, эффектные картины полны эмоций и жизни. Его краски пронизаны светом, насыщенны, они не просто наделяют предметы цветом, а сами, претворяются в предмет, превращаясь в облака, ткань, человеческое тело. Полотнам мастера присущи героическая приподнятость образов, выразительность ракурсов и движений, праздничное великолепие цвета. Они наполнены жизнерадостностью, весельем. Часто живописец обращался к изображению пиршеств. Но, несмотря на множество действующих лиц, его картины легко воспринимаются благодаря стройности композиции. В знаменитой картине «Брак в Кане» (рис.1) художник изобразил более ста фигур, поместив среди пирующих крупнейших живописцев: Тициана, Тинторетто, Бассано и даже самого себя.

Тинторетто – последний крупный мастер итальянского Возрождения. Он отличался поистине нечеловеческой трудоспособностью, неутомимостью исканий. Художник острее, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своего времени. Он расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Тинторетто – создатель массовых сцен, проникнутых напряженным переживанием упадка эпохи. Испытывая влияние живописи Тициана, Микеланджело и других гениальных мастеров того времени, он написал картину «Чудо святого Марка» (рис.2), которая по праву считается вершиной его творческих исканий. Картина построена на диагоналях, смелых ракурсах, взлетах композиции. Тяга к трагическим конфликтам, динамике цвета роднит Тинторетто с Микеланджело.