Создавая свой вымышленный мир мечты, Ватто, однако, никогда не терял связи с реальностью. Иначе и не могло быть у художника, который, по его собственному выражению, "учителем всех учителей" считал природу. Пожалуй, мало кто из выдающихся мастеров оставил в наследие такое огромное количество, как Ватто, сделанных с натуры зарисовок пейзажных мотивов, бытовых сцен, самых разнообразных типов. С удивительной свободой, не прибегая к подготовительным эскизам, Ватто компоновал прямо на холсте из этих натурных зарисовок свои живописные композиции.
Все лучшее, чем был отмечен реалистический талант Ватто, соединилось в его последней картине "Вывеска Жерсена". Всего за несколько дней создал смертельно больной художник этот бесспорный шедевр реалистической живописи ХVIII века. Большая по размерам картина была задумана как вывеска для антикварной лавки близкого друга художника Франсуа Жерсена.
Всего двенадцать лет длился творческий путь Ватто, но за это предельно короткое время художник успел прожить большую и насыщенную творческую жизнь.
В стиле рококо работали многие известные живописцы – Карл Ванлоо, портретист Жан Марк Наттье, Шарль Натуар. Но наиболее талантливым и признанным среди них был Франсуа Буше (1703-1770). Буше, как никто другой из его современников, сумел угодить своей живописью пресыщенным вкусам аристократов. Он стал законодателем моды и самым престижным художником середины века. При поддержке влиятельной фаворитки Людовика ХV маркизы де Помпадур Буше сделал блестящую придворную карьеру.
Природа вообще не интересовала Буше. По его собственному признанию, она казалась ему неприятной, слишком зеленой и плохо освещенной. Единственным наставником художника оставалось его богатое воображение.
В беседе с Дидро Буше как-то сказал, что он берет краски из головы и пишет кистью воображаемые сюжеты. В них фигурировали в виде галантных пастушков и жеманных пастушек аристократы и аристократки, увлеченные амурными делами античные боги, богини и нимфы ("Пастушеская сцена", "Геракл и Омфала", "Купание Дианы").Буше также любил писать обнаженных женщин с бело-розовыми телами. По меткому выражению Дидро, это были скорее женщины и эротических снов, чес те, которых мы встречаем в реальной жизни.
В картинах Буше занимались шаловливыми проделками амуры, купались, совершали туалет и увлекались амурными делами Венеры и Дианы, плели венки, играли на свирели и угощались вином одетые в бальные платья пастухи и пастушки.
Данью новым вкусам был и условный, но удивительно легкий и светлый колорит художника. Из нежных, сероватых и цвета привядших роз тонов Буше виртуозно составлял характерные для рококо цветовые созвучия, которые обозначались такими экстравагантными терминами, как "голубиная шейка", "резвая пастушка", ""цвет бедра взволнованной нимфы".
Буше умел сочетать развлечения с напряженным трудом. Работая по десять часов в день, он не только успевал писать картины и многочисленные живописные композиции для плафонов и панно, но и расписывать деки клавесинов, портшезы, кареты, экраны для каминов, моделировать статуэтки для севрского фарфора. Но над какими бы произведениями ни работал Франсуа Буше, они всегда были лишены истинных человеческих чувств, и их содержание отличалось поверхностным художественным замыслом.
С равным успехом он мог варьировать один и тот же салонный сюжет, бесконечно повторять один и тот же превратившийся в штамп образ. Главным для Буше было стремление привнести в свои работы декоративную красочность, праздничную нарядность, беспечную легкость и развлекательность. Именно эти черты соответствовали тем требованиям, которые предъявляли живописи вычурный и игривый рококо и аристократические заказчики. С их требованиями Буше справился блестяще.
В соответствии с законами стиля рококо картины Буше стали наряду с резным декором и зеркалами одним из элементов украшения интерьера. В таком случае речь уже шла не о смысловой и художественной ценности живописного произведения, как это было в станковой живописи, а только о декоративных эффектах и красочности. И здесь Буше почти не было равных. Владея до тонкостей приемами стиля, художник с удивительной свободой и неординарной композиционной и колористической изобретательностью увязывал свои расписные панно с общим декором, расставлял изящные легкие акценты в изысканном рокайльном интерьере.
Творчество "живописца граций", как называли в свое время Буше, вызвало, по вполне понятным причинам, отрицательную реакцию в годы, когда созревала почва для революции и его работы ценились ниже стоимости цены холста.
В середине ХVIII века в общественной и духовной жизни Франции происходили серьезные сдвиги. Недовольство старым режимом охватило решительно все слои общества. Вошедшие в историю под именем просветителей выдающиеся ученые, философы, экономисты и писатели в своих трудах и знаменитой Энциклопедии[1] подвергали беспощадной критике нравственные и общественные устои устаревшего строя и готовили почву для революции. Главными пороками этого строя просветители считали социальное неравенство, духовную отсталость, порабощение личности, предельно ограниченное распространение знаний. И они поставили перед собой задачу способствовать просвещению французского народа, восстановить в правах человеческую личность, воспитать в человеке высокие нравственные качества, независимость и смелость мысли.
Ведущая роль в борьбе за новое искусство принадлежала выдающемуся французскому мыслителю, ученому, художественному критику Дени Дидро. Сильное воздействие на формирование художественных взглядов общества оказал философ и писатель Жан ЖакРуссо. Под влиянием идей просветителей формировалась независимая в оценке людей и явлений творческая личность.
Одним из самых ярких примеров такой личности был выдающийся живописец века Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779).
Молодой Шарден появился в художественной среде Парижа в 1720-е годы, вскоре после смерти Ватто. Уже первая, обратившая на себя внимание работа Шардена говорит о том, что начинающий живописец проявляет независимость и ищет собственную тему в искусстве. Отныне стремление идти от реального жизненного мотива, от конкретной жизненной ситуации никогда не оставит художника.
В 1728 году на "Выставке молодых" среди множества выставленных живописных работ резко выделялись два написанных непривычно просто и материально натюрморта Шардена – "Скат" (Париж, Лувр ) и "Буфет (Париж, Лувр). "Скат" был настолько высоко оценен современниками, что его автора назвали "французским Рембрандтом". Оба натюрморта были замечены в академических кругах. Молодому живописцу вскоре была предоставлена возможность организовать индивидуальный показ работ для членов Королевской Академии. После просмотра жюри признало его достойным звания члена Академии.
Несмотря на то, что своей ранней славой Шарден был обязан натюрморту, он довольно рано перешел к жанровым композициям. Сюжеты для них Шарден находил в скромном, повседневном семейном быту небогатых горожан, в кругу людей простых, бесхитростных и трудолюбивых, - в том, собственно, мире, с которым художник был связан по рождению и образу жизни и который формировал его как человека и художника.
Жизнь персонажей Шардена размерена, спокойна, небогата событиями. Она проходит в повседневном труде, заботах о доме и самых прозаических занятиях ("Прачка", Ленинград, Эрмитаж; "Молитва перед обедом", Ленинград, Эрмитаж).
Домовитых и заботливых хозяек в картинах Симеона Шардена неизменно окружают деревянные бадьи, медные котлы и тазы, метлы, сковороды, грубые глиняные миски и тарелки.
Со времен братьев Ленен во французской живописи не было ни одного художника, который столь правдиво и таким глубоким пониманием, как Шарден, изображал быт скромных представителей "третьего сословия".
Не остался незамеченным современниками и редкий, изысканнейший колорит скромных по типажу и содержанию полотен мастера. Шарден и в наши дни почитается как один из выдающихся колористов в европейской живописи.
Предвосхищая живописцев ХIХ века, Шарден использовал свойство положенных на холст раздельных мазков чистого цвета сливаться на расстоянии в глазу зрителя и создавать легкий воздушный, богатый тончайшими цветовыми нюансами тон. Не смешивая краски на палитре, мастер наносил их мелкими мазками на живописную поверхность. При этом благодаря отбрасываемым рефлексам, каждый цвет оживал рядом с соседним, приобретая особую интенсивность и свежесть.
Разнообразной и богатой была живописная фактура картин Шардена Легкая кисть то покрывала холст густыми и сочными мазками, то оставляла на нем легкий и прозрачный след. Чтобы краски звучали в полную силу, Шарден сначала писал освещенные места и лишь затем решал в цвете остальные части композиции. В завершение он прописывал холст тончайшими лессировками, объединяющими изображение в едином гармоничном колорите.
Шарден постоянно совершенствовал свое мастерство, ни на мгновение не останавливаясь на достигнутом. Он работал медленно и вдумчиво, тщательно продумывая и оттачивая каждую, даже самую мелкую деталь. Яркий талант великого мастера не только не померк на склоне лет, но, наоборот, достиг качественно нового уровня. Когда старый художник из-за болезни вынужден был оставить живопись маслом, он взялся за пастель и создал в этой технике бессмертные произведения портретной живописи.
Те новые черты, которые художник привнес в портретную живопись в сконцентрированном виде, раскрылись в двух лучших портретах мастера – "Портрет жены художника" (1775, пастель, Париж, Лувр) и в "Автопортрете с зеленым козырьком" (1775, пастель, Париж, Лувр). Как и все работы Шардена, они подкупают какой - то особой искренностью и внешней простотой.