Луи XIV принес изменение во вкусы придворных художников и в общую артистическую моду. К концу господства старого короля богатые барочные проекты уступили более легким элементам с большим количеством кривых и естественных образцов. Эти элементы очевидны в проектах художественного оформления Николаса Пино . Во время эпохи Регентства жизнь двора была отодвинута от Версаля , и этот артистический стиль стал достаточно распространенным, сначала в королевском дворце, а затем всюду по французскому высокому обществу. Деликатность и игривость Рококо часто замечаются как реакция на излишки режима Луи XIV . 1 730-ые года представляли высоту развития Рококо во Франции. Стиль распространился вне архитектуры и мебели, в живописи и скульптуре, иллюстрируемой работами Антони Вату ( Antoine Watteau ) и Франсуа Буше ( Fran c ois Boucher ). Рококо все еще поддержал стиль барокко в сложных формах и запутанных образцах, но этой деталью, стиль начал объединять множество разнообразных особенностей, включая вкус к восточным проектам и асимметричным формам.
Распространение стиля Рококо было осуществлено французскими художниками и гравировщиками. Этот стиль был с готовностью принят в католических частях Германии , Богемии , и Австрии , где этот стиль был слит с живыми немецкими барочными традициями. Особенно на юге, немецкий Рококо был применен с энтузиазмом к церквям и дворцам. Архитекторы часто драпировали свои интерьеры в облаках пушистой белой штукатурки. В Италии последние барочные стили Борромини ( Borromini ) и Гуарини ( Guarini ) устанавливают тон для Рококо в Турине, Венеции, Неаполе и Сицилии, в то время как искусство в Тоскане и Риме оставались более преданными стилю Барокко. О рококо в Англии всегда говорили, что это "французский вкус". Архитектурный стиль рококо в Англии никогда не завоевывал популярность, хотя изделия из серебра, фарфора, и шелка были настоятельно под влиянием континентального стиля. Томас Чиппендейл преобразовал английский дизайн мебели через его адаптацию и обработку стиля. Уильям Хогарт помог развить теоретические основы для красоты Рококо. Хотя, не преднамеренно ссылаясь на движение, он спорил в своем Анализе Красоты (1753 г.), что холмистые линии и S -образные кривые, присущие Рококо, были основанием для изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в Классицизме ). Развитие Рококо в Англии, как полагают, было связано с возрождением интереса в Готической архитектуре в начале 18-ого столетия. Начало конца для Рококо наступило в начале 1760-ых годов когда такие фигуры как Вольтер, и Жак –Франсуа Блондель ( Jacques - Fran c ois Blondel ) начали высказывать их критику относительно этого стиля искусства. Блондель порицал "смешной беспорядок раковин, драконов, тростников, пальм и растений" в современных интерьерах. К 1780 году, Рококо вышел из моды во Франции, будучи замененным серьезностью Неоклассических художников таких, как Жак Луи Давид. Этот стиль оставался популярным в регионах, и в Италии, до второй фазы неоклассицизма, "стиль Империи", который прибыл с Наполеоновскими правительствами. Интерес к Рококо возобновился между 1820 и 1870 годами. Англичане были среди первых, кто восстановил "стиль Луи XIV ". Видные художники, такие как Делакруа и патроны, такие как Императрица Евгения также открыли вновь ценность изящества и игривости в искусстве и дизайне стиля Рококо.
23. Развитие ремесла и декоративно-прикладного искусства в России X – XVIII в.
Особенность российского декоративного искусства – его массовость, "артельность". Мы знаем имена древнегреческих горшечников и вазописцев (Эксений, Эфвроний), французских мебельщиков (Буль, Жакоб), английских керамистов (Джошуа Веджвуд), американских стеклоделов (Луис Олфорд Тиффани), и многих других. Русское декоративное искусство по преимуществу анонимно, более известны фирмы, чем художники (мебельная фирма Гамбса, ювелирная фирма Карла Фаберже). Все же безымянные создатели шедевров народной резьбы. Росписи, ткачества, безымянные же мастера, работавшие под руководством и по проектам великих архитекторов, создали шедевры русского интерьера. В 20 веке конструктивизм вывел на авансцену искусства мастеров-изобретателей нового мира вещей, таких, как Владимир Татлин и Лазарь Лисицкий. Но сталинский режим поспешил заменить гениев ремесла государственной монополией и тиранией дефицита. Все же художественное производство России создало великие ценности во многих областях.
Первые примеры развитого кузнечного и ювелирного производства встречаются у скифов и родственных им племен, живших на территории от Черного моря до Черноземья и Сибири. Для этих территорий характерен т.н. скифский звериный (тератологический) стиль. Северные славяне, постоянно контактировавшие с балтийскими и скандинавскими племенами, переняли от них другой вариант звериного стиля, где орнамент включает части звериных и человеческих тел, переплетающихся причудливым образом. На Урале и в Зауралье угро-финские племена, сначала из дерева и камня, а потом из бронзы изготовляли амулеты со стилизованными изображениями медведей и волков. Вырезанные из дерева ковши, увенчанные головами лосей, оленей, уток, найденные в уральских торфяных болотах отличаются экспрессией и пластической выразительностью. Эти традиции долго сохранялись в русском народном искусстве.
Многие столетия, вплоть до 20-х годов 20 века, крестьянское домашнее производство, а с 18 – 19 веков и кустарные крестьянские промыслы, насыщали деревни и города глиняной, деревянной и металлической утварью, деревянными и керамическими игрушками, набивными тканями, коврами и т.д. Особенно знаменитыми стали хохломская деревянная посуда, городецкая яркая и жизнерадостная роспись по дереву, дымковские глиняные фигурки и свистульки лукутинские лаковые шкатулки с росписью.
Замечательные промыслы сложились у народов Русского Севера, Сибири, Дальнего Востока, Кавказа; знамениты промыслы аулов Дагестана – Кубачи (обработка металла), Балхар (расписная керамика), Унцукуль (насечка серебром по дереву).
Бывшие иконописные мастерские в советское время перешли на роспись шкатулок (Мстера, Холуй). В Палехе Ивановской области И.И. Голиков и другие мастера разработали тончайшую миниатюрную живопись по черному лаку на сюжеты сказок и народных песен. В Древнюю Русь из Византии перешло высокое искусство перегородчатой эмали, черни, зерни, чеканки по металлу, резьбы по кости и дереву. К 17 веку сложилось развитое художественное производство: ростовская и усольская расписная эмаль, великоустюжское чернение по серебру, нижегородская резьба на причелинах изб. Работы мастеров декоративного искусства, среди которых были как русские, так и греческие и (возможно) западноевропейские мастера, украшали храмы и дворцы.
Со времен Петра I вошли в употребление вещи западно-европейского типа: фаянс, создававшийся на фабрике московского купца Афанасия Гребенщикова, фарфор, изобретенный Дмитрием Виноградовым (на Западе секрет фарфора держали в строгой тайне), литая и чеканная утварь, мягкая мебель. С 18 века входят с широкое употребление зеркала. Стекло, известное с домонгольских времен, с середины 17 века все чаще используется в посуде (царский завод в Измайлове). В 18 веке М.В. Ломоносов наладил мануфактурное производство стекла, мозаичной смальты и зеркал. Лучшие архитекторы 18 – начала 19 веков создавали эскизы предметов декоративного убранства интерьеров. Ряд зодчих этого времени начинает свою карьеру с работы декоратора (Росси, Воронихин). Для выполнения заказов императорского двора и высшей знати много работали частные предприятия: фаянсовый завод Ауэрбаха в Конаково и фарфоровый завод Гарднера в Вербилках. В 19 веке частные предприятия достигли высокого мастерства: фарфоровый завод Попова, фаянсовый и фарфоровый заводы Кузнецовых. В это время, в рамках стиля историзм (или эклектики) большое распространение получают имитации предметов ушедших эпох, стилизации, которые подчас трудно отличить от прототипов, - например, появляется посуда в стиле рококо, "готическая" и "ренессансная" мебель и др. Еще в конце 18 века во Франции появилась мода изготавливать "античные" предметы одежды, мебель и посуду по эскизам археологов; затем эта тенденция нашла выражение в работах мастеров русского ампира, и получила развитие в рамках "историзма" 19 столетия.
Своими корнями народное искусство и художественные промыслы уходят в глубокую древность, когда человек жил в условиях первобытнообщинного и родового строя. Средства существования он добывал примитивными способами. Всякая деятельность в первобытном обществе могла быть только коллективной. Разделение труда осуществлялось только на труд мужской (война, охота) и труд женский (приготовление пищи, изготовление одежды, ведение домашнего хозяйства); в то время даже керамическое производство было домашним женским делом. Необходимость совместного труда обусловила общую собственность на орудия труда, на землю, на продукты производства. Имущественного неравенства еще не было.